Recién acaba de terminar el recital, el saxofonista de la banda sale del escenario y encara hacia los camarines. En el camino, el manager de la banda lo toma bruscamente del brazo y lo tira hacia atrás al tiempo que le dice:
-Eso que estabas tocando ahí sonaba a...jazz!
-¿Y? ¿que es lo que hay de malo en eso?
-¿Como que hay de malo? ¡El jazz es masturabación musical! Si vas a hacerte la paja, mejor usá la mano, antes que tu instrumento.
Esta escena pertenece a la película
The Comittments (1991), de Alan Parker.
¿Es prudente que un post que pretende denunciar la descalificación de un género artístico en su totalidad y a ciertos artistas en particular comience citando una película de Alan Parker? Bueno, de hecho, quizá si haya un chiste involuntario en eso.
¿Porque hacer una defensa del rock progresivo? o mejor dicho, ¿porque el rock progresivo necesita que lo defiendan?
La mayoría de la gente ataca al género por: los temas largos, esa estúpida actitud de solemnidad que tenían todos los músicos, todos estirados, como si te miraran de arriba, como si no tuvieran tiempo para perder en boludeces, como si su destino fuera la grandeza y demás cosas por el estilo. El hecho es que todas estas cosas son ciertas, pero como cada vez que uno generaliza está siendo injusto con gente que quizá no se merezca caer en la misma bolsa que los demás. Bueno, este post no va a hablar de esa gente, no va a hablar de los
Soft Machine,
Brian Eno,
Kraftwerk o incluso
Van der Graaf Generator. Habla de los otros, de los estirados, aquellos a los que se aplican todas las cosas malas de las que se acusa al género. En
BN estuvimos escuchando mucho prog, solo para elegir un disco de algunas de las bandas pilares del género y vamos a intentar mostrar que incluso ellos a veces se dejaban de joder y transpiraban la camiseta en serio (acaso acabo de usar una metáfora futbolera? guau!), y lo más importante, que me gustaría dejar claro es el hecho de que sí existía una nobleza inherente a la idea de lograr ese acercamiento entre la música académica y la música popular. Al final no funcionó, porque ninguno de los dos lados se interesaba en el acercamiento, los seguidores del rock alegaban que el rock progresivo había perdido la pureza original que caracterizaba al rock como género. Los seguidores de la música clásica en cambio, descalificaban al género por considerarlo demasiado orientado a lo popular. Ni chiche ni limonada. Si me preguntan a mí, y esta es una opinión personal, lo que yo creo es que el proyecto hizo agua por las mismas razones por las que en su momento había fracasado la Bauhaus, o sea, porque ellos querían llevarle la academia a la gente, pero en ningún momento se pararon a ver si eso era lo que la gente realmente quería o como hacer menos traumático ese acercamiento. La música es para que la gente la disfrute, si la gente no la disfruta entonces no funciona, así que a pesar del éxito comercial que alcanzó en algún momento, el rock progresivo cayó por su propio peso.
Seguramente que el transfondo del que venían los músicos de rock sinfónico fueran tan académico y que ellos mismos tuvieran tanta facilidad para la autoindulgencia no haya haya hecho para nada más fácil este acercamiento que se pretendía originalmente. El hecho es que el proyecto fracasó. Detrás vinieron los punks, que como siempre cuando surge una corriente artística fuerte, se oponían a lo que había sido la corriente anterior, el rock progresivo y en cambio fue más una continuación de lo que había sido el glam (por el lado de los
New York Dolls, la
Velvet o los
Stooges). Y si el rock sinfónico era la sobre-producción y el adorno innecesario en la música, el punk fue todo lo contrario, y para ese entonces, tambien fue algo sano y necesario.
Pero, una cosa: antes de atacar al rock sinfónico por estirado, por saturado o por lo que quieran, no se olviden que la filosofía
"just do it" del punk ahora degenerada en este
"why shouldn't I?" ha creado tantos monstruos como el rock progresivo. Quien necesita saber tocar? quien necesita saber de música para hacer música? Ahora todos quieren recibirse de punks sin haber estudiado. Avril Lavigne:
"Puedo ser punk sin haber escuchado nunca a los Sex Pistols" ¿quién tiene autoridad para decirle que no es así? ¿o acaso no era ese el espíritu del punk? Tecnicismos legales, que los llaman los abogados.
Cuando se intenta defender la música progresiva se lo hace con argumentos como:
"No, porque Johnny Rotten era fan de Peter Hammil" y cosas por el estilo. Y
Peter Hammil es genial independientemente de quien lo siga o lo escuche, da lo mismo si es Johnny Rotten o Palito Ortega, ese no un argumento para nada. Y si alguien se llegara a convencer de darle una oportunidad a Peter Hammil sólo por escuchar eso, entonces esa persona sería un idiota.
Lo que digo es: cosas malas se han hecho en todos los géneros y bajo todas las banderas, ningún género es inherentemente malo.
BN_Top10. Blockbusters sinfónico/progresivos (en orden cronológico):
IRON BUTTERFLY - In-A-Gadda-Da-Vida (1968): Un disco en general ignorado, de una manera injusta, porque es excelente. Una anécdota bastante conocida cuenta que cuando Iron Butterfly grabaron el disco no se iba a llamar
In-A-Gadda-Da-Vida. En realidad se iba a llamar
In the Garden of Eden, lo que pasa es que los miembros de la banda estaban tan drogados que no podían decir esa frase, y les salía
In-A-Gadda-Da-Vida, que finalmente quedó como título del disco. Tampoco podían cerrar el tema, por eso es que dura 17 minutos. Este fue el primer disco al que se le aplicó el mote de
heavy metal (término extraído por algún periodista del libro
Nova Express de William Burroughs). Si el rock progresivo surgía de la fusión entre música clásica y rock psicodélico, entonces este es el eslabón que esboza el esfuerzo de la psicodelia por subirse al nuevo tren. En realidad el disco tiene más psicodelia que progresivismo, que tiene de progresivo entonces? El tema título es una obra magna que dura 17 minutos, bastante mal llevados por cierto, en el medio hay solos de batería y demás formas de auto-indulgencia. La versión single del tema decía lo mismo en 3:00' de duración. Otra cosa que tiene de progresivo el disco es la aparición de
Doug Ingle como uno de los primeros
keyboard-hero del rock (años antes de que Emerson y Wakeman se entregaran a esos densos solos sin final). De cualquier manera, no seamos injustos, la incorporación de la música sacra al disco y el trabajo de Ingle son impecables.
Highlights: Si consiguen la edición con bonus track, la versión de
In-A-Gadda-Da-Vida del single. Si tienen la edición regular, todos los otros temas son excelentes, destacándose
Most Anything You Want,
Flowers and Beads y
Are You Happy...hace mucho que no tengo este disco y lo extraño un montón!
YES - Yessongs (1973): A Yes siempre le faltaban 5 pal peso y este disco no es la excepción, pero en esta ocación logran captar la onda que siempre necesitaron y siempre les fue esquiva. El hecho de que el mejor disco de una banda sea un disco en vivo le quita gracia a la cosa, pero no alcanza para opacar este que es un muy buen disco.
Highlights: Siberian Khatru es alucinante...casi no parece de Yes.
Starship Trooper: Life Seeker/Disillusion/Würm se destaca en el grupo de las composiciones largas y después está
Mood for a Day donde Steve Howe nos enseña a todos en general y a Wakeman en particular de que se trata la música en realidad.
JETHRO TULL - A Passion Play (1973): La Pasión según Ian Anderson. En ese momento en el que el rock progresivo encaraba sus proyectos más ambiciosos (y pretenciosos), a Jethro Tull, o mejor dicho a Ian Anderson, el cerebro de la banda, le dió por hacer obras del largo de los discos, esto quiere decir, que si el disco duraba 45 minutos, la obra iba a constar de un solo tema de 45 minutos. Esto que a primera oída puede sonar como algo totalmente infumable, resultó primero en algo efectivamente infumable y a medias bien llevado, llamado
Thick as a Brick, el disco anterior a este que nos ocupa.
Thick as a Brick comercialmente fue bastante exitoso, así que el buen Ian quiso repetir la fórmula para el disco siguiente. Y el resultado fue
A Passion Play, que es la historia de un hombre recién fallecido quien revisa los hechos de su vida mientras aguarda una respuesta en la entreda del cielo. A pesar de lo que dijeran las ventas (que no le fueron muy favorables), yo creo que este es el mejor disco de la banda (y he escuchado varios, porque tengo un amigo que es fanático de esos incondicionales que ya no quedan) y también el más logrado, está lleno de referencias bíblicas y literarias pero bien manejadas, no de la manera como maneja, por ejemplo
Grant Morrison, que cuando mete referencias en lo que escribe, da la sensación de que lo hace sólo para impresionar al lector, no. Acá las referencias que se usan están bien manejadas, con mucho criterio y por alguien que ha estudiado bien el tema (
"the silver chord lies on the ground" canta Anderson en el comienzo). Es muy ambicioso, sí, pero eso no es algo necesariamente malo, o sí? Lo es si uno no dá a la talla de la camisa que se quiere poner (piensen en cualquier disco de Allan Parsons), cosa que no es el caso. Después de este disco vino el vapuleado por los fans
Warchild (1974), que tambien es un muy lindo disco. Además tiene la canción
Only Solitaire que es...si alguna vez Jethro Tull fuera a juicio y yo fuera el abogado defensor, yo llevaría esta canción y le pondría al ese maravilloso minuto y medio al juez. Podría llevar A Passion Play, pero como dije antes, es un solo track de 45 minutos, así que no serviría.
Highlights: Es difícil sacar un highlight de una obra sin trackear que dura 45', a pesar de que en las últimas ediciones el disco viene trackeado, el disco está concebido como una obra única (salvo por el simpático intermezzo:
The Story of the Hare Who Lost His Spectacles) y es así como conviene escucharlo.
GENESIS - The Lamb lies down on Bradway (1974): Poco hay que decir de este disco que no se haya dicho ya. El cierre de la época Gabriel es también para muchos, el canto del cisne y al mismo tiempo la obra magna del grupo. Más adelante en el tiempo, en especial tras la partida de Steve Hackett vendrían todos los desatinos pop de Phil Collins que tan merecido mal nombre le dieron a Genesis. Merece atención Gabriel en el escenario totalmente metido el papel de Rael, ese joven portorriqueño tratando de encontrar su camino en una Nueva York que le queda enorme.
Highlights: Fly on a Windshield,
The Grand Parade of Lifeless Packaging (con Brian Eno de invitado),
Counting Out Time y la desesperanzada
Anyway.
KING CRIMSON - Starless and Bible Black (1974): Probablemente éste sea el disco de la lista que menos defensa necesite, a pesar de haber sido Robert Fripp quien alguna vez dijo:
"Nosotros somos una banda intelectual, no estamos para ser disfrutados". En realidad en esta época de King Crimson, todos los discos son muy buenos, especialmente el anterior
Larks' Tongues in Aspic. Incluso a pesar de los cambios dramáticos que había en el
personnel de un disco al otro. Para que se den una idea, además de Fripp que oficicaba como único dictador en la banda el único miembro estable que hubo hasta la segunda formación de la banda (en 1980) fue el letrista Pete Sinfield. Fripp parecía decidido a no dejar a nadie involucrarse demasiado en su proyecto, así de loco estaba.
Highlights: Obviamente
Fracture, la mejor pieza instrumental jamás grabada por King Crimson. Tambien vale destacar la insana
The Great Deceiver. Ambos ahora clásicos de la banda.
EMERSON LAKE AND PALMER - Works Vol. 2 (1977): No existe forma posible de defender a ELP, pero igual quería poner algo de ellos. Por que, se preguntarán ustedes. Bueno, porque la verdad, he de confesar que tienen cosas que me caen bien. Para mí ELP son una banda de temas, no de discos, y los temas que a mí me gustan tienen todas algo en común: Keith Emerson o no está, o si está no se nota.
Still...you turn me on,
I Believe in Father Christmas, que está en este disco o
Trilogy que es brillante hasta el momento en que entra Emerson y la jode mal. Hay algo que es cierto, y es que si quieren gastar energías en odiar a alguien que represente todos lo vicios que cargaba el rock sinfónico, la pelea está cabeza a cabeza entre ELP y Yes y me parece que ganan los primeros por Emerson que cuando se cebaba consiguía lo inconseguible: ser más denso que Rick Wakeman. Puse este disco porque es el único disco que no tiene ningún tema que pase los 5:00 minutos de duración, lo cual, conociéndo a esta gente no es un mérito para nada menor.
Highlights: Pero la verdadera razón de poner este disco y no otro, es una y tiene nombre:
I Believe in Father Christmas. Ese crescendo que van teniendo el coro y las orquestaciones durante el transcurso de la canción, para al final romper de manera tierna y gentil encima de uno...maravillosa. Tambien está
Honky Tonk Train Blues, que es muy simpática y es la prueba de que al final, ELP tenían algo de sentido del humor después de todo.
RUSH - Permanent Waves (1980): El pico creativo de Rush y el último disco entero, ya que en los discos 80's hay mucho material de relleno. Geddy Lee además comienza a cantar de un modo más suave y melodioso, en contraposición al vocalista gritón de heavy metal que había sido en los primeros discos de Rush. Tambien es en este disco en donde la banda aprovecha mejor los sonidos que les proveen los sintetizadores, y uno de los pocos en donde se logran un buen balance entre estos y los instrumentos tradicionales (guitarra, bajo y batería). Los discos de la década siguiente van a ser mucho más
keyboard-driven, en contraposición a los de la década del 70, en donde eran más una banda de rock tradicional y los teclados eran usados apenas como condimento.
Highlights: En
Jacob's Ladder la banda logra alcanzar una profundidad que no le conocíamos. Tambien se merece destacar
Natural Science, seguramente el mejor tema jamás grabado por Rush y un excelente relato musical.
CAMEL - Stationary Traveller (1984): Uno de los mejores discos de rock progresivo que yo escuché fue un disco de
synth-pop que se llamaba
Stationary Traveller y cuyo concepto giraba alrededor de la vida en la Berlín dividida por el muro, algunos años antes de caída de este. El disco trata el tema muy bien, y tiene momentos muy altos. Los instrumentales son sencillos y llenos de emoción. Las letras de Susan Hoover acompañan muy bien la música del disco. La joden al final, cuando en el último tema
Long Goodbyes quisieron hacer un final épico que cerrara el concepto del disco y les salió mal (algo que parece ya que es casi un cliché del género), les quedó un tema Aspen pedorro, que era lo que habían estado esquivando y bien, durante todo el resto del disco. Además este es uno de los pocos casos en los que una de estas bandas logró aggiornarse con elegancia. En el '92 volvieron a intentar ponerse al día con
Dust and Dreams y demostraron que esto del '84 había sido solo suerte.
Highlights: Fingertips es una canción hermosa, además lo tiene a Mel Collins de invitado y Mel Collins es garantía de calidad.
West Berlin,
Vopos y
Refugee son las canciones en las que se dejan ver mejor las intenciones ochentosas, o más bien ochentizantes que hay en el disco.
Cloak and Dagger Man y
Long Goodbyes (los dos temas que no canta Andrew Latimer, el guitarrista y líder de la banda) son temas dignos de la FM más mersa imaginable.
MARILLION - Clutching at Straws (1987): Bukowski decía que ser un alcohólico requiere talento. Probablemente cuando Fish encaró lo que iba a ser el quinto álbum de estudio de la banda estuviera pensando en eso. Marillion en ese momento venía de grabar
Misplaced Childhood, su más grande éxito comercial, si. Si bien el disco tenía pasajes muy buenos (como
Passing Strangers), falla como una obra completa (que es lo que intenta ser, después de todo es un disco conceptual) en el sentido de que varias veces se pierde la idea original, sobre todo en el final. Despues de eso, no se si la idea era recuperar la pureza inicial (si es que cabe esta expresión en el rock sinfónico), pero Fish tuvo una idea brillante para usar de hilo conductor para el que sería su último disco en la banda. Contar historias de bares. Historias de borrachos, gente que va cada noche a emborracharse por alguna razón: el trabajo, una pareja, lo que sea; contar esa historia. Fish conocía más que bien ese mundo, tiempo después él mismo se iba a retirar de la banda para resolver sus propios problemas con el alcohol. Quizá por eso, sus letras en este disco sean menos pretenciosas que en el disco anterior y cuenten tanto más. Las música es mucho más sencilla y sentida que en otros discos de Marillion y por eso, son mejores las canciones. Un detalle excelente es que al abrir el booklet del disco, abajo de la letra de cada canción tiene la fecha y el nombre del lugar en donde a Fish le contaron la historia, ejemplo:
Bar en las afueras de la ciudad de Detroit, 4 de diciembre de 1986. Si el resto del disco hubiera sido una cagada, igual seguiría valiendo la pena por estas pequeñas (o enormes, depende) historias que cuenta.
Highlights: La canción
Sugar Mice cuenta la historia de un tipo que está de paso, huyendo de su casa donde dejó a su mujer y a sus hijos después de haber perdido el trabajo, la forma en que Fish describe al tipo, como se mete en la piel de esa persona, cuando le dice a la mujer como si de una carta se tratara:
"For when it gets right down to it there's no one here that's left to blame. Blame it on me, you can blame it on me. We're just Sugar Mice in the rain". Y uno se puede imaginar al tipo sentado en la barra de un bar, borracho balbuceando todas esas cosas al aire.
DREAM THEATER - Awake (1994): Pasándole la antorcha a la siguiente generación, podría llevar de título esta review. A principios de los 90's hubo muchos intentos de aggiornar el rock progresivo. La mayoría terminaron en patéticos fracasos (en esta categoría incluímos a todos esos ELP, Yes y demás que incluso al día de hoy no pueden decir basta), pero hubo un proyecto que supo despejar el camino para todos los clones que vinieron detrás. Sin ser injustos, podemos decir que Awake es el disco definitvo de Dream Theater y posiblemente uno de los discos más influyentes de los años 90's. Al año, casi no se podían ver los agradecimientos de cualquier disco de una banda heavy con algo de pretenciones sin leer que se les agradeciera por la "inspiración", una forma elegante de llamarlo.
Pero: ¿que hizo este grupo de egresados de la Berklee, que marcó tanto la escena heavy y progresiva de los 90's? Bueno, como pasa en la mayoría de estos casos, fueron capaces de preparar un cóctel que o nadie había preparado antes, o estaba lo suficientemente fresco y poco visto como para causar sorpresa. Esa fusión de heavy metal, con jazz fusión y rock progresivo, que puesta en estos términos puede resultar aterradora, sorprende gratamente, sobre todo cuando es ayudada por la pericia de los intérpretes: John Petrucci en guitarras, Mike Portnoy en batería y Kevin Moore en teclados, quién poco después de terminar el disco, dejaba la banda. Todos ellos virtuosos, pero de una nueva manera, sin seguir la línea de los Ynwie Malmsteen, los Steve Vai o cualquiera de esos que jugaban carrera a ver quién podía tocar más rápido.
Highlights: Erotomania, es el mejor tema del disco. En un disco donde las letras pueden resultar algo decepcionante por la manera wn que pretenden tocar todos esa enorme cantidad de problemas existenciales, este instrumental se destaca.
Lie y
Space-Dye Vest tambien son momentos dignos de destacar en el disco.
